320 Musique (s) Du (s) Monde (s) Adultes (s)

Un album exceptionnel, profond, fascinant, envoûtant, qui aurait pu naître d'une rencontre entre Pink Floyd, Oum Kalthoum et Joy Division. Le précédent disque d'Orange Blossom paru en 2005, a remporté un succès certain. Un public aux quatre coins du monde s'en était épris, des Etats-Unis à la bande de Gaza, en passant par l'Afrique du Nord, les Pays de l'Est, l'Europe et l'Asie. Parmi eux, Sir Robert Plant qui les avait engagés sur ses premières parties. Il fallu s'installer au fond d'un hôtel à Aman en Jordanie, le temps d'y enregistrer des chanteurs traditionnels venus prêter leurs voix dans les lumières crépusculaires d'un soleil lunaire. Il a fallu le temps du retour, atterrir ou presque, le temps pour enregistrer, capter l'acoustique de l'Orchestre du Conservatoire de Cholet. Les machines n'ont pas d'agenda. Les musiciens si. Il a fallu prendre le temps de poser les atmosphères pour mieux les embraser, du temps pour développer les thèmes et en obtenir la quintessence. Ce temps, Orange Blossom l'a pris. Et il revient encore plus fort.

Deux fées se sont penchées sur le berceau de cette chanteuse espagnole qui semble sortie d'une nouvelle movida. D'abord Manu Chao, qui la rencontre au milieu des années quatre-vingt-dix et lui ouvre la porte de son studio en l'aidant à se lancer. Et puis Joey Burns pilier du groupe américain Calexico qui suit attentivement sa carrière solo et qui a finalisé la production de ce EspÂiritu del Sol dans son studio de l'Arizona. Cet album positionne définitivement la musicienne comme une artiste emblématique, joyeuse et positive et qui a décidé de se battre contre la morosité ambiante. Meneuse d'un groupe énergique, bête de scène charismatique, cette "cantaora" exubérante sait comme personne colorer ses refrains festifs de boléro, de folk rock et de rumba.

Un homme aux milles vies qui, à 43 ans, fait découvrir ses compositions au-delà de ses frontières, en portugais et en anglais. Il s'entoure dans cet album de grands tels que Fanny Ardant, Fefe ou Vincent Segal pour achever des compositions à la fois oniriques et pétillantes.

Ce groupe de cinq musiciens/chanteurs à l'énergie communicative, défend depuis le début des années 2000 "une musique qui se vit et qui se danse". Violaine Cochard, claveciniste concertiste très active, incarne une esthétique baroque ouverte et toujours prête à dialoguer. ToccaTram est une rencontre de deux sensibilités musicales singulières, un dialogue entre des oeuvres distantes de quatre siècles, une musique qui fait exploser les carcans stylistiques pour ne garder que l'essentiel... le plaisir d'être ensemble !
Violaine Cochard (clavecin) et Tram des Balkans (pop'n'trad) s'associent pour une création surprenante. Toccatram est une oeuvre inédite, façonnée par des compositions originales et des interprétations très personnelles de pièces baroques. Une musique "world barock", une errance ardente à travers l'Europe et ses sièces d'histoire.

Clarinettiste virtuose et compositeur inspiré, Yom a conçu "Le Silence de l'Exode" comme un voyage en double miroir, entre puissante ancestralité et étonnante modernité.
Partant de l'épisode historique et fondateur de la sortie d'Egypte du peuple juif et de ses longues années d'errance dans le désert du Sinaï, Yom se plonge dans la confrontation universelle de l'humain avec sa solitude existentielle, au travers de tous les exodes, quels que soient leur point de départ et leur destination.
Entouré des non moins inspirés contrebassiste d'origine arménienne Claude Tchamitchian, violoncelliste oriental Farid D. et percussionniste iranien Bijan Chémirani, Yom livre une traversée hypnotique d'un ailleurs mystique, à la croisée des musiques juives, orientales et moyen-orientales.
« Présentée lors du dernier Festival d’Ile de France, la création Le Silence de l’Exode vient s’ajouter à la liste hétéroclite des projets avec lesquels le clarinettiste Yom tourne régulièrement. Loin des fantaisies rock-electro de ses Wonder Rabbis, il y met en musique, en configuration acoustique, la sortie d’Egypte, mythe fondateur du peuple juif : un retour aux sources réinventé pour ce créatif invétéré, qui relit la tradition klezmer en puisant à la fois aux racines ashkénazes et aux sonorités séfarades. De ces quarante années d’errance dans le désert, il exalte ainsi les accents les plus mystiques, accompagné par les archets de Farid D, au violoncelle oriental, et de Claude Tchamitchian, à la contrebasse, ainsi que par les percussions iraniennes (zarb, daf et bendir) de Bijan Chemirani. Les envolées répétitives et véloces de sa clarinette, qui rappellent ses furieuses variations en duo avec Wang Li, mènent à la transe. Ces solos très denses alternent avec des mesures plus dépouillées, plus méditatives. Le tout traduit dans un juste équilibre les craintes, les espoirs et l’indéfectible ferveur éprouvés dans l’Exode. » Anne Berthod, Télérama

La musique de Souvenance, pleine de grâce et de mystère, tour à tour hypnotique, austère et d'une grande force dramatique, a été enregistrée en 2014, six ans après le précédent album sur ECM de ce grand maître de l'oud.

Membre fondateur du trio vocal amérindien Ulali puis artiste solo, elle transmet la culture des natifs américains dans un blues dont elle revendique les influences indiennes.La chanteuse américaine signe là son arrivée chez Nueva Onda Records avec onze titres qui s'accompagnent d'une nouvelle direction artistique sous l'impulsion de Mathis Haug qui a supervisé l'enregistrement dans un mas du sud de la France. Elle y abandonne sa guitare lap-steel pour se concentrer sur les harmonies vocales, écho au violoncelle d'Eric Longsworth parmi une orchestration épurée que complètent Stéphan Notari (piano, percussions) et Mathis lui-même (guitare, banjo). Sur des compositions qui puisent leur force dans la tradition amérindienne pré-blues, et sur des textes qui racontent les convictions humanistes de leur auteur, en plus de reprises de Duke Ellington et Norman Greenbaum, Pura Fé signe son album à la fois le plus intime et le plus aventureux.

Du traditionnel au contemporain, ces quatre femmes irlandaises apportent de la modernité à la musique celtique.

Le rugby a toujours été associé au chant et nulle part ailleurs cette tradition est aussi évident qu'au Arms Park de Cardiff au pays de Galles. Le Choeur Gallois d'hommes de Dublin a décidé de commémorer le monde du rugby par la production de ce CD comprenant une sélection des hymnes nationaux et les plus connues des chansons entonnées au stade. Interprété dans sept langues - l'anglais, le gallois, l'irlandais, le français, l'italien, Xhosa et Maori, et extrait de onze nations sur les vingt et unes qualifiées pour disputer les étapes finales de la compétition à XV.

La Bretagne est une vieille rebelle et une jeune révoltée. Depuis plus d'un millénaire, ses habitants ont chanté la vie, l'amour, mais également les combats, qui forgent l'âme d'un peuple, et les colères, qui lui confèrent une dignité. Dès le Moyen Âge, les Bretons ont composé des chants pour exalter un pays dont ils ont chèrement défendu l'indépendance (An Alac'h). Puis, pendant près de trois siècles, ils ont tout aussi âprement défendu leurs libertés au prix de révoltes, souvent sanglantes, face au pouvoir royal français (Ar Paper timbr, Son ar Bonnedoù ruz, Maro Pontkalleg). S'ils s'ancrent dans l'histoire, ces chants s'inscrivent également dans l'actualité où, de la fronde fiscale à la révolte sociale, il n'y a qu'un pas avant qu'une armée d'ouvriers et de paysans n'en vienne à défendre leur Blanche hermine.

Cinq ans après un premier album éponyme, le groupe composé de Lee Alexander (basse), Jim Campilongo (guitare), Norah Jones (piano, chant), Richard Julian (guitare, chant) et Dan Rieser (batterie), revient avec un deuxième opus sur lequel ils reprennent des chansons de leurs maîtres tels que Loretta Lynn, Willie Nelson, Johnny Cash, et Dolly Parton.

La virtuosité, l'ornementation, l'invention, la capacité d'improvisation peuvent être des qualités communes à plusieurs artistes iraniens actuels mais ce qui reste remarquable chez Alireza Ghorbani, c'est la conjonction de toutes ces perfections chez un seul chanteur.

C'est en 2010 que Redi et Maria fondèrent un duo connectant l'expressivité naturelle du violoncelle à la légèreté de la voix, s'imprègnant des traditions de leurs origines respectives comme de pratiques musicales investies lors de nombreux voyages. Violoncelle et chant lancent un défi à l'harmonie et construisent à renfort de mélodies et de rythmes un pont dressé des plaines du sud de l'Italie aux contreforts des Balkans, autant de va-et-vient faisant parfois un crochet par les Carpathes. Mot existant de part et d'autre de l'Adriatique, "ura" signifie "pont" en Albanais et "maintenant" dans le parler du Salento.

Explorateur de son propre univers qui s'affranchit habilement des étiquettes formatées et des fantasmes de métissages, Titi Robin emprunte ici le chemin de crête des contours de la Méditerranée avec à ses côtés Mehdi Nassouli, un compagnon de route éclairé qui apporte sa science des musiques marocaines. Les mélomanes pourront reconnaître dans Taziri l'héritage d'autres musiques multiséculaires comme la source africaine d'où a surgi le blues. Mais à dire vrai l'alchimie esthétique de l'album, entre danses et douce nostalgie, va bien au-delà. C'est aussi un voyage initiatique et un manifeste philosophique, car à travers la radicalité artistique de son auteur on y entend l'éternelle beauté du monde.

Six ans après Chamber music, la complicité au long cours entre les deux hommes, qui n'a cessé de s'enrichir et de s'épanouir au fil de leurs périples, résonne plus que jamais. C'est d'ailleurs en tête-à-tête, sans le concours d'autres instrumentistes, qu'ils ont cette fois-ci choisi d'unir leurs forces. L'idée de base était, comme pour le précédent album, de fixer leurs dialogues à Bamako. Le disque est le fruit de deux sessions captées sur le vif, avec un minimum de prises et dévoile ainsi une même liberté en marche et en actes, où se répondent les esprits des musiques mandingues, baroques, brésiliennes, jazz, gitanes... Et c'est ainsi que cet opus, ce traité de virtuosité sereine composé à l'abri des terribles grondements de l'humanité, loin de toute démonstration de force, célèbre ce qui sait encore rendre ce monde poétiquement habitable.

Depuis les années 1970 et un certain enregistrement soliste pour Harmonia Mundi, Djamchid Chemirani (né à Téhéran en 1942) a poursuivi son cheminement avec, à ses côtés, ses deux fils : Keyvan et Bijan. Chacun a fait sa culture, parcouru divers univers sonores, nourri son métier de musicien. Mais ils n'ont eu de cesse de revenir au grand oeuvre commun : élaborer une langue rythmique universelle. Dawâr, c'est le bout du chemin : jamais encore les Chemirani n'avait atteint une telle limpidité du son issu de la fusion de leurs trois frappes ; c'est par la conscience jubilatoire de l'oeuvre engendrée ensemble, qu'ils rejoignent l'expérience spirituelle si présente dans la culture iranienne.