313 Musique (s) Du (s) Monde (s) Adultes (s)

Membre fondateur du trio vocal amérindien Ulali puis artiste solo, elle transmet la culture des natifs américains dans un blues dont elle revendique les influences indiennes.La chanteuse américaine signe là son arrivée chez Nueva Onda Records avec onze titres qui s'accompagnent d'une nouvelle direction artistique sous l'impulsion de Mathis Haug qui a supervisé l'enregistrement dans un mas du sud de la France. Elle y abandonne sa guitare lap-steel pour se concentrer sur les harmonies vocales, écho au violoncelle d'Eric Longsworth parmi une orchestration épurée que complètent Stéphan Notari (piano, percussions) et Mathis lui-même (guitare, banjo). Sur des compositions qui puisent leur force dans la tradition amérindienne pré-blues, et sur des textes qui racontent les convictions humanistes de leur auteur, en plus de reprises de Duke Ellington et Norman Greenbaum, Pura Fé signe son album à la fois le plus intime et le plus aventureux.

Du traditionnel au contemporain, ces quatre femmes irlandaises apportent de la modernité à la musique celtique.

Le rugby a toujours été associé au chant et nulle part ailleurs cette tradition est aussi évident qu'au Arms Park de Cardiff au pays de Galles. Le Choeur Gallois d'hommes de Dublin a décidé de commémorer le monde du rugby par la production de ce CD comprenant une sélection des hymnes nationaux et les plus connues des chansons entonnées au stade. Interprété dans sept langues - l'anglais, le gallois, l'irlandais, le français, l'italien, Xhosa et Maori, et extrait de onze nations sur les vingt et unes qualifiées pour disputer les étapes finales de la compétition à XV.

La Bretagne est une vieille rebelle et une jeune révoltée. Depuis plus d'un millénaire, ses habitants ont chanté la vie, l'amour, mais également les combats, qui forgent l'âme d'un peuple, et les colères, qui lui confèrent une dignité. Dès le Moyen Âge, les Bretons ont composé des chants pour exalter un pays dont ils ont chèrement défendu l'indépendance (An Alac'h). Puis, pendant près de trois siècles, ils ont tout aussi âprement défendu leurs libertés au prix de révoltes, souvent sanglantes, face au pouvoir royal français (Ar Paper timbr, Son ar Bonnedoù ruz, Maro Pontkalleg). S'ils s'ancrent dans l'histoire, ces chants s'inscrivent également dans l'actualité où, de la fronde fiscale à la révolte sociale, il n'y a qu'un pas avant qu'une armée d'ouvriers et de paysans n'en vienne à défendre leur Blanche hermine.

Cinq ans après un premier album éponyme, le groupe composé de Lee Alexander (basse), Jim Campilongo (guitare), Norah Jones (piano, chant), Richard Julian (guitare, chant) et Dan Rieser (batterie), revient avec un deuxième opus sur lequel ils reprennent des chansons de leurs maîtres tels que Loretta Lynn, Willie Nelson, Johnny Cash, et Dolly Parton.

La virtuosité, l'ornementation, l'invention, la capacité d'improvisation peuvent être des qualités communes à plusieurs artistes iraniens actuels mais ce qui reste remarquable chez Alireza Ghorbani, c'est la conjonction de toutes ces perfections chez un seul chanteur.

C'est en 2010 que Redi et Maria fondèrent un duo connectant l'expressivité naturelle du violoncelle à la légèreté de la voix, s'imprègnant des traditions de leurs origines respectives comme de pratiques musicales investies lors de nombreux voyages. Violoncelle et chant lancent un défi à l'harmonie et construisent à renfort de mélodies et de rythmes un pont dressé des plaines du sud de l'Italie aux contreforts des Balkans, autant de va-et-vient faisant parfois un crochet par les Carpathes. Mot existant de part et d'autre de l'Adriatique, "ura" signifie "pont" en Albanais et "maintenant" dans le parler du Salento.

Explorateur de son propre univers qui s'affranchit habilement des étiquettes formatées et des fantasmes de métissages, Titi Robin emprunte ici le chemin de crête des contours de la Méditerranée avec à ses côtés Mehdi Nassouli, un compagnon de route éclairé qui apporte sa science des musiques marocaines. Les mélomanes pourront reconnaître dans Taziri l'héritage d'autres musiques multiséculaires comme la source africaine d'où a surgi le blues. Mais à dire vrai l'alchimie esthétique de l'album, entre danses et douce nostalgie, va bien au-delà. C'est aussi un voyage initiatique et un manifeste philosophique, car à travers la radicalité artistique de son auteur on y entend l'éternelle beauté du monde.

Six ans après Chamber music, la complicité au long cours entre les deux hommes, qui n'a cessé de s'enrichir et de s'épanouir au fil de leurs périples, résonne plus que jamais. C'est d'ailleurs en tête-à-tête, sans le concours d'autres instrumentistes, qu'ils ont cette fois-ci choisi d'unir leurs forces. L'idée de base était, comme pour le précédent album, de fixer leurs dialogues à Bamako. Le disque est le fruit de deux sessions captées sur le vif, avec un minimum de prises et dévoile ainsi une même liberté en marche et en actes, où se répondent les esprits des musiques mandingues, baroques, brésiliennes, jazz, gitanes... Et c'est ainsi que cet opus, ce traité de virtuosité sereine composé à l'abri des terribles grondements de l'humanité, loin de toute démonstration de force, célèbre ce qui sait encore rendre ce monde poétiquement habitable.

Depuis les années 1970 et un certain enregistrement soliste pour Harmonia Mundi, Djamchid Chemirani (né à Téhéran en 1942) a poursuivi son cheminement avec, à ses côtés, ses deux fils : Keyvan et Bijan. Chacun a fait sa culture, parcouru divers univers sonores, nourri son métier de musicien. Mais ils n'ont eu de cesse de revenir au grand oeuvre commun : élaborer une langue rythmique universelle. Dawâr, c'est le bout du chemin : jamais encore les Chemirani n'avait atteint une telle limpidité du son issu de la fusion de leurs trois frappes ; c'est par la conscience jubilatoire de l'oeuvre engendrée ensemble, qu'ils rejoignent l'expérience spirituelle si présente dans la culture iranienne.

C'est dans l'univers joyeux de Baltazar Montanaro-Nagy et de Sophie Cavez que Le 3ème Temps est né. Lorsque la musique à boutons s'accompagne d'un archet vagabond, complicité aventureuse et émotion transparente s'offrent à nous. Ce troisième opus, enregistré entre la Belgique et la France, est comme la synthèse de leur amitié franco-belge et de leur voyage au croisement des vents du nord et des sons de l'est. Le 3ème Temps cultive la représentation d'une musique libre et inspirée dans laquelle Sophie déploie un accordéon épris de romantisme. Avec un bonheur partagé et un naturel presque déconcertant, ils enveloppent leur chanson avec leur jeu de velours où les sonorités sont tour à tour mélodieuses ou mélancoliques mais toujours résolument complices et actuelles.

Dans son troisième album, le chanteur parle de sa proximité perdue à sa terre. Il raconte la nostalgie qui le rattache à ses racines et l'oubli qui le pousse à la pérégrination. Mêlant piano, clavecin, percussions, batterie, synthétiseurs, mélodica et nay, cet opus joue la réconciliation entre les différents parcours musicaux de Bachar Mar-Khalifé (entre la percussion et le piano), et consacre le chant en arabe comme instrument central de son expression. Plus que jamais, sa liberté triomphe de toute contrainte stylistique.

Composé de mémoires yiddish et tziganes mêlées à des sonorités actuelles, cet opus est marqué par l'arrivée de nouveaux musiciens. La formation originelle menée par les violons et chants d'Eric et Olivier Slabiak s'est étoffée avec les guitares basses de Julien Herné et d'Elise Blanchard (Mathieu Chedid), l'accordéon serbe de Dario Ivkovic et l'accordéon jazz de Vincent Peirani. Pour capter la spontanéité et la joie contagieuse de cette musique, Zig-Zag Territoires a choisi d'enregistrer dans l'acoustique naturelle d'une église luthérienne parisienne.